Germain, retraité contemplatif, se retrouve veuf brutalement à l’âge de 75 ans. Etouffé par sa famille qui souhaite veiller sur lui et être présente, il est inondé d’appels et de visites de leur part, de plannings pour encadrer son quotidien, une infantilisation insupportable. Pour honorer une promesse faite à son épouse, il va rejoindre la troupe amateur de danse contemporaine avec laquelle elle répétait.
François Berléand interprète avec sincérité, justesse et la part de maladresse nécessaire cette histoire d’amour et de deuil, dans laquelle la danse à un rôle salvateur.
Lors de la présentation du film au Festival de Cabourg, l’acteur a de plus indiqué qu’il s’était blessé peu de temps avant le début du tournage et qu’il avait été nécessaire de trouver des gestes qu’il puisse réaliser. Son expérience dans la danse quand il était plus jeune l’a aider dans son interprétation a-t-il expliqué.
François Berléand a également salué la réalisatrice Delphine Lehericey avec laquelle c’était « un bonheur de travailler ». Ce nouveau long métrage est un vrai feel good francophone, dont vous ressortirez légers.
Issue du théâtre, Delphine Lehericey est d’abord comédienne et metteur en scène puis se forme en tant que vidéaste. Son travail avec la vidéo s’oriente petit à petit vers le documentaire puis la fiction.
Mimi (Daphné Patakia) a presque trente ans et rêve toujours à ce qu’elle pourrait faire quand elle sera grande. Alors qu’elle se décide à chercher du travail, elle fait la connaissance de Paul (Benoît Poelvoorde), un avocat sur la touche. Ensemble ils vont tenter de défendre Christophe (Raphaël Quenard), un petit arnaqueur qui clame son innocence. Si Paul voit dans cette affaire un moyen de se refaire financièrement, Mimi y voit, elle, une mission, un chemin vers la justice et la vérité.
Marie Garel-Weiss scénariste et réalisatrice française, signe ici son second long-métrage. Cette comédie est une belle réussite : le scénario est percutant, vif et sensible, et servi par un beau casting composé d’acteurs chevronnés et de jeunes acteurs qui sont en train de se hisser au sommet.
Agnès Jaoui, en avocate débordée, nous rappelle sa belle époque aux côtés de Jean-Pierre Bacri dans Un Air de Famille de Cédric Klapisch. Benoît Poelvoorde renoue avec un style qui lui convient parfaitement tant il semble de nécessiter aucun jeu de sa part : l’homme un peu en marge de la société qui tente de naviguer à vue, mais généreux et sensible quand il s’ouvre.
Daphné Patakia qui incarne Mimi porte ce personnage d’une façon d’autant plus incroyable que le rôle est loin d’être facile. Personnage borderline qui marche sur un fil entre ses obsessions, sa volonté, et le monde qui l’entoure et les règles qui le régissent. Raphaël Quenard quant à lui n’en finit pas de nous surprendre. Il a d’ailleurs reçu au Festival du FIlm Romantique de Cabourg le Prix de la Révélation Masculine pour son interprétation dans Chien de la Casse.
Ce duo d’acteurs crève l’écran et tient le spectateur en haleine dans cette comédie dramatico-romantique. Les personnages sont développés et l’histoire repose entièrement sur leur personnalité.
A l’instar de ses précédents films Marie Garel-Weiss ils évoluent en marge de la société chacun pour des raisons qui lui sont propres : volonté de prendre de la distance, réclusion, ou profil psychologique.
La réalisatrice précise :
« Cela rejoint sans doute mon sentiment que tout le monde finalement avance en dehors des clous, tout le monde se sent « à part ». Mais en ce qui concerne les pathologies, les troubles, que ce soit chez les schizophrènes, les bipolaires, les dyslexiques ou tout autre profil que la société accueille difficilement ou pas du tout, je suis fascinée par leurs capacités compensatoires hors du commun, que je considère comme des dons. Imaginer que l’on puisse « faire famille », se trouver un compagnon de route me donne de l’espoir. Le groupe commence par deux personnes, d’où le duo : à deux, c’est mieux ! » (Source : AlloCiné)
Le nouveau long-métrage du Louis Garrel réalisateur est une comédie tragi-comique. Si la forme est légère, le fond l’est un peu moins. Basé sur son histoire familiale personnelle, il incarne dans son film le rôle d’Abel, un fils inquiet pour sa mère, Sylvie (incarnée par Anouk Grinberg), qui désire épouser un homme alors en prison : Michel (Roschdy Zem). Aidé de sa meilleure amie Clémence (Noémie Merlant), il va tout tenter pour l’en dissuader et tâcher de la protéger. Mais la rencontre avec cet homme va l’entraîner dans une direction inattendue.
Dans la réalité, la mère de Louis Garrel, l’actrice et réalisatrice Brigitte Sy, animait des ateliers de théâtre dans des prisons et épousat un détenu. Attention cependant, Louis Garrel le précise : « ce film n’est pas autobiographique, mais il est très personnel. » Son enfance entourée d’hommes qui sortaient du milieu carcéral lui a permis d’appréhender d’avoir un certain recul et un regard amusé sur certaines situations, qu’il retranscrit dans ses scènes avec beaucoup d’humour. Le film est dopé par des gags qui rappellent les comédies italiennes. L’intrigue évoque les films français de la belle époque, où des gangsters se courraient après sans effets spéciaux, avec pour seule arme des dialogues affûtés.
Le film était présenté hors-compétition au Festival de Cannes 2022 puis au Festival du Film de Cabourg, en présence de l’actrice Noémie Merlant, qu’on aime découvrir dans ce rôle qui nous l’a fait découvrir sous un jour nouveau qui lui va à merveille.
Louis Garrel a attendu plusieurs années avant de réaliser ce film. Grand bien lui en a pris car c’est une réussite en tous points !
Le synopsis : après la Fashion Week, Carl et Yaya, couple de mannequins et influenceurs, sont invités sur un yacht pour une croisière de luxe. Tandis que l’équipage est aux petits soins avec les vacanciers, le capitaine refuse de sortir de sa cabine alors que le fameux dîner de gala approche. Les événements prennent une tournure inattendue et les rapports de force s’inversent lorsqu’une tempête se lève et met en danger le confort des passagers.
Ce nouveau (très) long-métrage de Ruben Östlund lui a offert sa seconde Palme d’Or au Festival de Cannes après « The Square » en 2017. Le réalisateur Suédois est passé maître dans l’art de dépeindre notre société sous des traits monstrueux qui révèlent les côtés sinistres de la nature humaine. Il faut dire qu’il y a matière. L’importance accordée aux apparences, tant physiques que matérielles, est renforcée par les réseaux sociaux omniprésents dans nos vies. La beauté physique est également devenue source de richesse économique. Les écarts ne cessent ainsi de se creuser.
La critique acerbe qui est faite de l’univers de la mode et dans une plus large mesure
Ruben Östlund peut se permettre de livrer une critique acerbe de l’univers de la mode, lui qui tire son inspiration de domaines qu’il connaît personnellement : ainsi a-t-il crée en 2018 une ligne de vêtements pour homme et découvert à cette occasion les écarts de salaire entre hommes et femmes, qui à l’inverse de la plupart des secteurs d’activité y est favorable … aux femmes ! Sa compagne est elle photographe de mode. La première scène qui présente un casting de modèles masculins est jubilatoire. Le titre original « Triangle of Sadness » qui en est tiré est d’ailleurs plus évocateur à mon sens de la critique acerbe à laquelle se livre le réalisateur. Ce « triangle de la tristesse » désignerait les rides qui se marquent entre les sourcils, et correspond à une anecdote personnelle une fois encore, puisque c’est lors d’un diner qu’un autre convive a fait remarquer à Ruben Östlund que cette partie était marquée sur son visage mais que cela serait facilement arrangé par du Botox.
Dès cette scène d’ouverture, le spectateur saura s’il va apprécier le film, ou pas ! Car ce n’est là que le début. Le couple d’influenceurs campé par Charlbi Dean et Harris Dickinson s’envole pour une croisière sur un yacht luxueux, croisière pour laquelle ils sont bien entendus invités en leur qualité d’influenceurs. La critique est alors suivie de celle des ultra-riches qui se noient dans l’opulence et tout ce qu’elle implique, mais ne les sauvera pas de tout. Les métaphores se multiplient lors du naufrage. Les clins d’œil du réalisateur sont nombreux. Car les écarts faussent les relations entre les Hommes : tous nos rapports humains semblent s’effectuer entre individus d’un même niveau (de richesse, de beauté…) et si ce cercle se rompt, il faut que la raison soit bonne. Un lien de domesticité semble finalement toujours maintenu entre les uns et les autres.
Ruben Östlund parvient à s’emparer de ces aspects peu reluisants de notre société, et à les mettre en scène de façons à la fois si choquantes et si drôles que le message nous frappe en plein visage. Certaines scènes sont peut-être trop longues, et la fin un peu facile, mais il faut voir ce film comme une œuvre, dans son ensemble. Un peu comme un tableau dont tour à tour vous vous approchez pour regarder les détails picturaux, puis vous éloignez pour changer de point de vue et le voir dans ensemble, avec recul.
Jean et Marina partent à Athènes pour les vacances d’été. Ils y retrouvent l’exubérante famille de Marina. Alors qu’ils projettent de passer quelques jours en amoureux sur une petite île des Cyclades, toute la famille décide de les accompagner. Entourés par la famille haute en couleurs et dans un pays en crise, rien ne se passera comme prévu.
Cette comédie est le premier long-métrage de Nafsika Guerry-Karamaounas. Née en 1987, cette scénariste et réalisatrice aux multiples nationalités (Suisse, Grecque et Britannique) a notamment étudier l’esthétique du cinéma. Elle met son oeil et sa sensibilité au profit de son pays de coeur, la Grèce, pays dans lequel elle a passé nombre de ses vacances depuis son plus jeune âge. Inspirée par les éléments et la nature, elle s’y inventait des histoires avec ces personnages à part entière : le vent, l’eau, les pierres…
Derrière cette comédie se cache également une critique de l’être humain. La réalisatrice qui apprécie Woody Allen et ses personnages s’en est en partie inspirée pour le personnage de Jean inspirée par Vincent Dedienne qui excelle dans ces rôles de garçon aussi agaçant que sympathique.
Afin que la magie opère et que les acteurs puissent retranscrire au mieux l’atmosphère de ces îles grecques et de ses habitants, Nafsika Guerry-Karamaounas a organisé pour Stacey Martin, qui ne connaissait pas le grec, des cours de langue. Cela lui permet de passer indifféremment d’une langue à l’autre avec un naturel désarmant. Ces deux acteurs principaux ont également suivi des cours de cuisine, qui permet d’apprivoiser la gestuelle d’une population, et des cours de danse et de cuisine.
Tout en plongeant le spectateur dans l’atmosphère presque irréelle de la Grèce, la réalisatrice parvient à nous faire prendre conscience si besoin était de la situation économique que traverse ce pays à la fin si loin et si proche de nous, qui demeure une carte postale de vacances mis où le quotidien de ses habitants s’est considérablement complexifié.
Le film était présenté dans la catégorie Panorama au Festival du film de Cabourg, les Journées romantiques.
Sortie en salles le 6 juillet 2022 – 1h31 – Pyramide Distribution
Jeanne Chardon-Spitzer (interprétée par Alice Pol), brillante architecte, se voit confier la réhabilitation du somptueux manoir des Daguerre, étrange famille à la tête d’un empire du jeu de société. Quand César, le patriarche, est retrouvé assassiné en pleine Murder Party, Jeanne est entraînée dans un jeu d’enquête grandeur nature pour démasquer le meurtrier.
Cette comédie excentrique de Nicolas Pleskof est dans la veine de Les Petits Meurtres d’Agatha Christie ou de A couteaux tirés de Rian Johnson.
Sortie en salles le 9 mars 2022
Alice Pol au Festival du film romantique de Cabourg en 2019, membre du Jury longs métrages
Danny, un producteur de musique londonien branché se rend en Cornouailles pour un enterrement de vie de garçon. Quand son patron et ami lui lance le défi de faire signer un contrat aux pécheurs du coin pour un album de chants de marins, Danny tombe dans le panneau. Bien loin de ses repères citadins, il tente tant bien que mal de gagner la confiance de cet improbable boys band, qui accorde plus d’importance à l’amitié qu’à la célébrité.
Après The Full Monty ou The Singing Club, ce style de films ne créent plus la surprise. Il est également tiré d’une histoire vraie, met en scène un choc des cultures. Néanmoins la bonne humeur, l’humour british, la beauté des paysages de la réalisation de Chirs Foggin parviennent à nous charmer.
Sean Baker reçoit au Festival de Deauville le Prix de la critique
Mikey Saber revient dans sa ville natale du Texas après des années de carrière de star du porno à Los Angeles. Sans un sou, il s’installe la « queue entre les pattes » chez son ex-femme; « ex » dans les faits car ils ne sont en réalité pas divorcés. Crapule aux yeux de chiot qui parvient à les attendrir, il devra en échange supporter sa belle-mère méfiante qui vient chaque nuit regardé la télévision depuis le canapé sur lequel il est hébergé. Amateur de drogues douces, il reprend ses combines pour gagner de l’argent, se rapproche de son ex-femme et s’amourache d’une jeune lolita qui vend des donuts.
Le réalisateur Sean Baker a débuté ce projet en pleine pandémie, alors qu’il était confiné chez lui à Los Angeles. Les conditions l’ont conduit à tourner en vingt-trois jours avec une équipe réduite à seulement dix personnes. Preuve s’il en fallait que la quantité n’est pas nécessaire à la qualité. Il suivait sur Instagram l’acteur Simon Rex, qui connaissait depuis plusieurs années une période de disette professionnelle. Installé dans un parc naturel, il vivait simplement. Quand le réalisateur l’a contacté pour ce rôle, l’acteur n’a pas hésité à parcourir les milliers de kilomètres le séparant du Texas pour incarner ce personnage détonnant, « un homme-enfant qui relativise constamment les choses pour préserver sa santé mentale. Il y a beaucoup de l’Amérique là-dedans, développe Sean Baker. C’est incontestablement un trait américain : quelqu’un qui aspire au succès sans se soucier des dommages collatéraux. » Et pour incarner cela, le réalisateur, toujours fasciné par l’univers des travailleurs du sexe, a opté pour un personnage peu exploité : le parasite de plateau, qui exploite les espoirs et le travail de femmes dans l’industrie du porno. Avec son co-scénariste Chris Bergoch, il se sont inspirés de multiples anecdotes recueillies.
Le film traduit bien plus que de la tension sexuelle. La véritable tension est ailleurs. L’intrigue se déroule en effet à l’été 2016, juste avant l’élection présidentielle que Trump remporta. L’actrice Bree Elrod explique ainsi que le réalisateur souhaitait justement rendre le sentiment de danger imminent qui régnait alors. Le fait que le tournage ait eu lieu en pleine pandémie, avant une autre élection décisive, a renforcé ces sentiments d’urgence et d’incertitude.
Le réalisateur a casté ses quelques acteurs de façon originale. Simon Rex, acteur vu notamment dans Felicity et plusieurs Scary Movie, est également rappeur connu sous le nom de « Dirt Nasty », et animateur sur MTV. Il l’a associé à Bree Elrod, actrice de théâtre new-yorkaise qui incarne Lexi, son ex-femme de Mikey, et à Suzanne Son; la jeune actrice qui incarne Strawberry dans le film a été repérée par le réalisateur … dans le hall d’un cinéma à Hollywood.
Sean Baker, qui déteste tourner en studio, a opté pour la ville de Texas City comme décor naturel. Il a vu dans cette ville « un condensé de l’Amérique ». Un peu plus loin se trouvait le magasin « Donut Hole », utilisé tel quel dans le film, son nom lui apparaissant telle une bénédiction. Ces lieux n’auraient peut-être pas suffit sans le talent du directeur de la photographie Drew Daniels, avec lequel ils ont opté pour Sugarland Express -premier long métrage de Spielberg datant de 1974- comme source d’inspiration principale. Drew Daniels a su rendre « la chaleur oppressante et le côté terreux d’un été texan. »
Bien que long, le film passe vite. L’esthétique des images, les dialogues ciselés et surtout la performance d’acteur de Simon Rex ont transformé cette réalisation en pépite. Présenté en compétition au Festival de Cannes et au Festival de Deauville, il a remporté lors de ce dernier le Prix du Jury et le Prix de la Critique. Un nouveau succès pour le réalisateur qui signe ici son septième long métrage après The Florida Project, multiprimé en 2017.
En salles le 2 février 2022 – Le Pacte – 2h08 – Interdit aux moins de 12 ans avec avertissement
A Strasbourg, Marie se prostitue depuis 20 ans pour subvenir à ses besoins et surtout à ceux de son fils Adrien. Quand celui-ci a l’opportunité de rentrer dans une école de renom, Marie va avoir des besoins d’argent beaucoup plus conséquent et à courte échéance.
Le film était présenté au Festival du cinéma américain de Deauville dans la catégorie Fenêtre sur le cinéma français.
S’il s’agit du premier long métrage de Cécile Ducrocq, la réalisatrice n’est pas une débutante. Scénariste notamment pour la série Le Bureau des légendes et Dix pour cent, elle a débuté la réalisation avec des courts métrages : Tout le monde dit je t’aime en 2010 qui est sélectionné dans une quarantaine de festivals. Suivi de Fille modèle en 2011) et La Contre-allée en 2014, présenté lors de la Semaine de la Critique à Cannes ainsi qu’au Festival de Sundance. Le personnage de Marie est justement né dans La Contre-allée, déjà interprété par Laure Calamy. La réalisatrice a expliqué : « J’avais encore des choses à dire, envie aussi de l’emmener ailleurs, de le sortir du périmètre où je l’avais enfermé. Je voulais lui donner du souffle, faire de cette femme une héroïne. Et, puis, j’avais envie de travailler de nouveau avec Laure. Avec cette image en tête : Laure dans un imperméable doré qui traverse la ville, prend sa voiture, cherche des clients, cherche de l’argent, cherche son fils. »
C’est chose faite avec ce passage au long-métrage. Et les deux femmes se sont bien trouvées : Cécile Ducrocq prouve ici son talent pour aborder un sujet déjà traité mainte fois, avec une mise en scène rythmée, sublimée par la photographie et les lumières de Noé Brach, et Laure Calamy emporte le film avec son interprétation naturelle, émouvante et époustouflante. Nissim Renard, qui interprète son fils, est également impressionnant et parvient à poser son empreinte face à l’énergie qui se dégage de l’actrice. Le spectateur traverse une foule d’émotions à leurs côtés.
Une femme du monde confirme si besoin en était le talent de Laure Calamy après son César pour Antoinette dans les Cévennes qui parvenait déjà à tenir un rôle face à un âne sans que jamais cela ne semble incongru, et met en lumière une jeune réalisatrice qui fait déjà carton plein avec son premier long-métrage.
Sortie en salles le 8 décembre 2021 – Tandem – 1h35
A bientôt trente ans, Julie vit à Oslo, en couple avec Aksel, dessinateur de BD à succès âgé de 45 ans. Jusqu’à ce qu’elle rencontre un inconnu lors d’une soirée…
Le réalisateur Joachim Trier signe ici une comédie romantique et dramatique qui soulève sans tabou les questions existentielles des jeunes de cette génération : choisir un travail et s’y tenir sans s’épanouir, ou se chercher et changer ; l’envie – ou non – d’avoir des enfants, la fidélité dans le couple… L’erreur serait de penser que parce qu’il s’agit d’un très beau portrait de femme, ces thèmes leur sont réservés. En effet le réalisateur a souhaité aborder des sujets qu’il a lui même expérimentés : « J’ai passé les 40 ans, j’ai vu mes amis vivre toutes sortes de relations de couple et j’ai ressenti le désir de parler d’amour, et de l’écart entre le fantasme de la vie que nous aurions rêvé de mener et la réalité de ce que sont nos vies. Le personnage de Julie a commencé à prendre forme : une jeune femme spontanée, qui croit qu’on peut changer de vie à sa guise et qui recherche ça, puis qui se retrouve un jour confrontée aux limites du temps et à celles de chacun y compris les siennes. Il n’y a pas un nombre infini d’opportunités dans une existence. » D’ailleurs il ne prétend pas avoir réalisé un exposé sur les femmes mais plutôt« comment les relations amoureuses reflètent nos attentes existentielles. Dans notre culture occidentale, on a été élevés dans l’idée que l’amour et la carrière sont les endroits où s’épanouit une vie. Ça dépasse donc le genre », explique le réalisateur.
S’il montre tout sans filtre, au risque parfois de choquer, Joachim Trier aborde tous ces sujets avec finesse et pertinence. Né au Danemark, le réalisateur a grandi en Norvège et adore le cinéma français qui l’a beaucoup influencé ; ainsi lors de la présentation du film a-t-il précisé qu’il s’était notamment inspiré du célèbre « Un Homme et Une Femme » de Claude Lelouch.
Le choix de ses acteurs principaux lui a permis de porter cette réflexion à son paroxysme avec des interprétations bluffantes des deux acteurs principaux : Anders Danielsen Lie, également médecin dans la vie, et qui tenait déjà le rôle masculin principal dans un précédent long-métrage du réalisateur Oslo, 31 août, et Renate Reinsve, qui y jouait un petit rôle -une seule réplique- : « On va faire la fête ! ». Et pourtant le réalisateur explique bien que depuis ce moment, il n ‘a cessé de suivre son évolution, principalement au théâtre faute de propositions au cinéma. Jusqu’à ce rôle qu’il écrit pour elle et qui vaudra à l’actrice un Prix d’interprétation Féminine au dernier Festival de Cannes. Malgré son jeune âge elle a su interpréter un personnage en proie à de nombreux conflits intérieurs « Julie porte en elle une forte mélancolie. Elle sabote ses relations amoureuses pour des raisons que je laisse à la libre appréciation du public, mais je pense que ce penchant autodestructeur est un aspect intéressant de sa personnalité. Julie est une « imperfectionniste ». Elle hésite entre tel ou tel homme comme dans toutes les comédies romantiques, mais au bout du compte, elle devrait surtout penser un peu à elle. » explique Joachim Trier.
Bien que je n’ai pas adhéré à certains éléments de rélaisation et que je mette un bémol sur la fin, ce film m’a émue aux larmes.
Avec ce grand rôle, Renate Reinsve est devenue dans son pays celle qui a été primé pour avoir interprété « The Worst Person in the World » (« la pire personne au monde », titre original du film). Quelle ironie.
